• Muestra de Cine Internacional de Palencia

MASS

Fran Kranz


Ficha Artística

Jay: JASON ISAACS

Gail: MARTHA PLIMPTON

Linda: ANN DOWD

Richard: REED BIRNEY

Judy: BREEDA WOOL

Kendra: MICHELLE N. CARTER

Anthony: KAGEN ALBRIGHT

Ficha Técnica

Dirección: FRAN KRANZ

Producción: FRAN KRANZ, DYLAN MATLOCK, CASEY WILDER MOTT, J.P. OUELLETTE

Guion: FRAN KRANZ

Fotografía: RYAN JACKSON-HEALY

Montaje: YANG-HUA HU

Música: DARREN MORZE


EEUU, 2021. 110’ Color.


Sinopsis:

Años después de que el hijo de Richard y Linda causase una enorme tragedia, Jay y Gail están por fin dispuestos a hablar en un intento por tratar de seguir adelante con sus vidas.


Palmarés:

Premios BAFTA 2021: Nominada a mejor actriz secundaria (Ann Dowd)

Critics Choice Awards2021: Nominada a mejor actriz secundaria (Ann Dowd)

Premios Independent Spirit 2021: Premio Robert Altman y nom. mejor guion novel

Premios Gotham 2021: Nominada a mejor interpretación de reparto (Birney)

2021: Festival de Cine de San Sebastián: Premio de la Juventud



Fran Kranz (Los Ángeles, 1981)

Francis Elliott "Fran" Kranz es un actor estadounidense de cine, televisión y Broadway. Nació y creció en Los Ángeles, California. Comenzó a actuar en tercer y cuarto grado y desde muy pequeño supo que quería ser actor. Se graduó de Harvard-Westlake School en 1999 y luego de la Universidad de Yale en 2004. Es conocido por su interpretación de Topher Brink en la serie dramática de ciencia ficción Dollhouse. Tuvo papeles destacados en las películas La cabaña en el bosque (2011) y Mucho ruido y pocas nueces (2012) y La torre oscura (2017). En 2012, interpretó a Bernard en Muerte de un viajante, comenzando una carrera en Broadway que continuó con You Can't Take It with You de 2014. Mass es su debut como director.


Comentarios del director

Se me ocurrió la idea de hacer una investigación sobre los tiroteos masivos en Estados Unidos, donde me enteré de reuniones entre las familias de las víctimas y los tiradores. Tan pronto como leí sobre estas reuniones, me acordé de la Comisión de la Verdad y la Reconciliación en Sudáfrica, que fue una gran inspiración, pero también de miedo, porque no sabía si podía mostrar la idea de la justicia restaurativa. 20 años después, cuando me encontré con estas reuniones, ahora como padre, pensé que eso es esencialmente lo que estas personas están haciendo: existe este simple esfuerzo por sanar aprendiendo sobre la verdad y posiblemente encontrando el perdón y la reconciliación.

El 14 de febrero de 2018 sucedió el tiroteo en la escuela de Parkland. Tuve mi primer borrador muy preliminar a finales de abril de 2018. Dediqué unos dos años a investigar, no leía más que libros y artículos y vi documentales y todo lo que pude encontrar sobre ese tema. Al mismo tiempo, tenía un guion muy específico sobre esta reunión en una habitación. Una vez que supe que estas reuniones ocurren, pensé que se necesitaba un coraje increíble y que es algo tan admirable que quiero ver más en el mundo. Pensé: esa va a ser la película y nos vamos a quedar en la habitación. La versión ficticia del evento en sí evolucionó durante el siguiente año y medio o dos del proceso de escritura.

Como actor, básicamente estaba improvisando en mi proceso de escritura, interpretando al padre de la víctima, la madre de la víctima, el padre del tirador y la madre del tirador. Traté de abrirme a esas perspectivas tanto como pude y todo lo que resonaba conmigo en cualquiera de esas cuatro identidades en mi investigación lo puse por escrito. Me conectaría con algo, ya sea un detalle sobre una de estas tragedias o uno personal sobre su vida familiar, y escribiría sobre eso e improvisaría un diálogo en torno a esta información. Luego, obviamente, hubo un largo, largo proceso de edición y esto fue lo que evolucionó. Todo está muy tristemente basado en la realidad. Esta película es ficción, pero los eventos que la inspiraron no lo son.

Quería actores de teatro para la película porque sentí que íbamos a tener tomas tan largas y planos que inevitablemente mostrarían a los cuatro. La reacción del actor es clave en esta película y tenían que estar concentrados en todo momento porque no hay oportunidad de pasar a un segundo plano cuando la cámara está en otra persona. Teníamos dos cámaras, filmaríamos de una manera tan rápida y eficiente que solo querías confiar en que los cuatro actores estuvieran completamente presentes y reaccionaran en tiempo real. Lo asocio con grandes actores de teatro.

Fue un rodaje de 14 días y tan pronto como la puerta se cerró para los cuatro y se quedaron solos, fue un rodaje de ocho días. Eran los últimos ocho días del rodaje, así que nada podía salir mal. Martha había trabajado con Sidney Lumet en Un lugar en ninguna parte y habían tenido un proceso de ensayo muy intenso, así que cuando llegaron al set, sabían exactamente lo que estaban haciendo y eso los relajó de alguna manera. Así funciona el teatro. Traté de darles a los actores libertad y autoridad para decir lo que pensaban.

Quiero creer en el perdón y que se puede sanar o al menos seguir adelante. Para mí, hay una imagen recurrente del paisaje en la película y es el dolor. Quería representar a dónde van estos sentimientos y cómo vives con ellos y nunca escapas realmente de ellos, cómo llegan a ser parte de ti. Visualmente, la imagen evoluciona, cambia porque vives con el duelo, pero puedes vivir con él tal vez de manera más fácil y pacífica. No tienes que estar en guerra con el dolor; puedes encontrar una relación que te permita avanzar, y de eso se trata el viaje. El perdón no beneficia a todas las partes por igual. La película no pretende decir que esto es lo que debes hacer; es un pensamiento o meditación al respecto. Esta es solo mi expresión artística sobre cómo lidiamos con el duelo y cómo podemos vivir con él. Hay mucha complejidad en la noción del perdón que puede contrastarse y yuxtaponerse con la forma en que vivimos el duelo de una manera saludable y más positiva.